MACBA: espisodios críticos

Desde los años sesenta, el arte contemporáneo se asocia con crisis periódicas. Estas no solo han afectado al arte sino que han tenido un alcance global. Desde la reflexión autocrítica de la pintura moderna hasta los esfuerzos por entender un mundo que actúa como un sistema de relaciones sometidas a un cambio constante, la nueva presentación de la Colección MACBA sugiere algunos antecedentes de lo que hoy llamamos crisis sistémica.

La Colección MACBA despliega en esta presentación una secuencia de seis episodios que pueden ser leídos con relativa autonomía. A través de estos pasajes se construye un itinerario de momentos críticos que incluye obras de Lara Almarcegui, Judith Barry, Dara Birnbaum, Marcel Broodthaers, Joan Brossa, Hans Haacke, Öyvind Fahlström, Andrea Fraser, Sanja Iveković, Gerhard Richter, David Lamelas, Angela Melitopoulos, Miralda, Robert Morris, Hélio Oiticica, Allan Sekula, Andreas Siekmann, Antoni Tàpies y Krzysztof Wodiczko, entre otros. También se recupera la figura del psiquiatra reusense Francesc Tosquelles, un referente de la antipsiquiatría, en el centenario de su nacimiento.

FECHAS DE APERTURA Y CIERRE POR PLANTAS

Planta 2: 18 de octubre - 06 de enero 2013
Planta 1: 8 noviembre - mediados de 2013
Planta 0: 8 noviembre-17 febrero 2013 

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El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga renueva su colección permanente. Neighbours

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga renueva por séptima vez su colección permanente. Neighbours (Vecinos) es el título de esta exposición comisariada por Fernando Francés y es toda una declaración de intenciones, ya que es una selección de trabajos de artistas de proximidad que tienen a Málaga como referencia. La exposición la componen 36 piezas de 28 artistas diferentes. Algunos de ellos expondrán por primera vez en un museo y otros han pasado por el centro con anterioridad, bien en exposiciones y proyectos individuales o en colectivas. Nombres conocidos y otros que son artistas emergentes, coincidirán en el mismo espacio para mostrar el arte de proximidad. Escultura, pintura, fotografía y dibujo, la exposición es multidisciplinar y en ella conviven trabajos de artistas de diferentes generaciones.

El viernes 21 de diciembre se presenta la exposición Neighbours, artistas de proximidad en la colección permanente en la que se puede ver trabajos de artistas de proximidad, en diferentes disciplinas, que van desde la escultura a la pintura, pasando por el dibujo y la fotografía. Una conjunción de estilos y puntos de vista sobre el arte más cercano, el arte de proximidad, que es una apuesta constante en el CAC Málaga desde que se inauguró en 2003 y que a partir de hoy se verá materializada con una nueva exposición. En total, serán 26 artistas que mostrarán su trabajo en 33 piezas que se exhibirán en el espacio reservado a la colección permanente.

Para el director del Centro de Arte Contemporáneo, Fernando Francés: “La creación artística no está ligada a lugares, ni a generaciones. La inspiración se desenvuelve en cualquier lugar y desde este punto de partida, somos conscientes de que existe un movimiento creativo más cerca de lo que creemos. A partir de hoy seremos testigos del arte que inspira nuestro entrono con esta exposición. Como venimos haciendo desde la inauguración del centro, el CAC Málaga es la incubadora de algunos de lo artistas nacionales más importantes del momento. Por este motivo, esta exposición viene a ensalzar la figura de lo próximo y a mostrar a los que nos visitan qué es lo que se crea cerca de nosotros. Con esta exposición el centro va a abrir una ventana a la mirada cercana, conocida y a la vez sorprendente de nuestros artistas”.

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Museo das Peregrinacións en Santiago de Compostela

El Museo das Peregrinacións (Museo de las Peregrinaciones) nació en 1951, con el objetivo de brindar al visitante la posibilidad de entender de la mejor manera un fenómeno que está en la base del surgimiento y desarrollo de la ciudad de Santiago de Compostela: las peregrinaciones. Sin embargo, más allá de acoger un número de exposiciones temporales a lo largo de los años, no fue hasta 1996 que el museo abrió sus puertas de manera definitiva.

La institución ocupa un edificio del siglo XIV conocido como Casa Gótica, que sufrió modificaciones en los siglos XVI y XVII. Sus tres plantas albergan siete salas donde se exponen objetos, imágenes y documentos que cuentan la compleja y rica historia del Camino de Santiago, su vinculación con la ciudad y su papel fundamental en la conformación cultural de Europa desde la Alta Edad Media y también de Hispanoamérica.

Las cuatro primeras salas se hayan en la planta bja. La primera sala tiene por nombre "La peregrinación: un camino ritual de purificación y conocimiento", y junto a la segunda "Orígenes del Culto Jacobeo: la traslación del cuerpo de Santiago", ofrecen un panorama del fenómeno de las peregrinaciones en la historia humana y una visión de cómo surgió este camino a partir del Apóstol y la llegada de su cuerpo a la zona. La tercera sala "Santiago: Catedral y ciudad. El sepulcro del Apóstol como generador de la urbe compostelana", permite apreciar y entender el nacimiento y evolución de la ciudad a partir y alrededor de las peregrinaciones. Es interesante observar las distintas maquetas. La cuarta sala "Peregrinos a Santiago. Caminos y ritos", explora el Camino propiamente dicho, con todas sus peculiaridades, costumbres e historias, mediante documentos, muestras de la ropa de los peregrinos, etc.

La quinta sala, en el primer piso, está dedicada a exposiciones temporales. La sexta, ya en el segundo piso, "Gremios y tradiciones artesanales en Compostela", muestra el nacimiento y desarrollo de oficios tales como azabachero, platero, grabador y otros en el contexto de las peregrinaciones a la ciudad, propiciando el crecimiento económico de la misma. La séptima sala, "Iconografía de Santiago. La imagen de Santiago en la historia", muestra la imagen de Santiago en sus distintas facetas de apóstol, peregrino y matamoros.

Además, el museo realiza otras actividades como parte de su labor cultural, científica y de divulgación.

Es un sitio de obligada visita para quienes llegan a la ciudad, tanto peregrinos como simples turistas. Santiago es un lugar que a lo largo de los siglos ha influido en la vida de Europa y de América. Aquí se encuentran muchas de las respuestas y explicaciones. Es de algún modo una forma de hacer la ruta: menos intensa, menos emotiva, pero acaso no menos interesante.

Úbicación:
Rúa de San Miguel, 4
15704 Santiago de Compostela, A Coruña
Tel. 981 581 558
Fax. 981 581 955
e-mail: direccion.mdperegrinacions@xunta.es
www.mdperegrinacions.com Horario:
De martes a viernes: de 10:00 a 20:00
Sábados: de 10:30 a 13:30 y de 17:00 a 20:00
Domingos: de 10:30 a 13:30
Cerrado: Todos los lunes del año, 1 de enero, 6 de enero, 1 de mayo, 25 de julio, 1 de noviembre, 8 diciembre, 24, 25 y 31 de diciembre.
Tarifas:
Entrada: 2,40 €
Grupos y estudiantes 1,20 €
Menores 18 años y mayores de 65: Gratis
Días de entrada gratuita:
Sábados de 17:00 a 20:00
Domingos
18 de mayo: Día Internacional de los Museos
12 de octubre
6 de diciembre
Temporada: Todo el año

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Fernando Casás: el ahora ya ha sido y el antes será

Observar, recopilar, indexar, conocer, recrear. En una obra marcada por gestos silenciosos, Fernando Casás (Gondomar, Pontevedra, 1946) mantiene una relación de curiosidad permanente con la naturaleza. Los vestigios del paso del tiempo, los estados y formas entrópicas en permanente mutación, halladas en la profundidad de la selva tropical o en el exuberante paisaje gallego, determinan una trayectoria creativa de más de cuarenta años. Entre Brasil, donde inició su práctica artística, y su Galicia natal, esta exposición antológica da visibilidad a una obra con una determinación especulativa y conceptual singular, que tanto se puede materializar en procesos pictóricos o escultóricos, como en acciones efímeras e intervenciones específicas, como será el caso de las obras inéditas creadas para las salas del CGAC.

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María Blanchard en el Edificio Sabatini hasta Febrero 2013

La celebración de esta exposición monográfica dedicada a María Blanchard (1881-1932) reivindica la trayectoria artística y personal de esta pintora, partícipe excepcional y personal de las Vanguardias de la primera mitad del siglo XX. Su obra pictórica establece reveladoras conexiones con su trágica existencia además de habilitar a la creadora como figura coetánea, original y decisiva entre otras grandes figuras del arte a cuya sombra había quedado para la historiografía del arte. Para reconocer su trascendencia se plantea un itinerario cronológico dividido en tres etapas vitales.

Entre 1908 y 1913 transcurre la maduración de una identidad pictórica propia donde se aprecia la permeabilidad a las influencias de sus maestros. Es la época de las obras tempranas, los estudios en París y sus primeros contactos con pintores como Anglada Camarasa y Diego Rivera.

A partir de 1913 y hasta 1919 Blanchard, de regreso en París, entra activamente en el círculo cubista de la mano de Rivera. Plena conocedora de los avances estéticos y formales de la nueva vanguardia, se suma con voz propia a este movimiento. Desde 1915 fijará su residencia definitiva en París, donde llegará a ser una figura reconocida, partícipe de las discusiones cubistas y amiga íntima de Lipchitz y Juan Gris. Blanchard lograría un perfecto dominio de la expresión cubista sintética, unida a un orden cromático sentimental lleno de plasticidad poética. Los años finales de la experiencia cubista serán también los del reconocimiento público, con la participación en exposiciones junto a los otros grandes nombres del cubismo.

Una última Etapa de Retorno al Orden hasta su fallecimiento en 1932 muestra a una artista progresivamente aislada, marcada por sus dolencias físicas y volcada en una pintura que es expresión de sus propias vivencias, y que muestra fuertes acentos espirituales después de 1927, año en que la muerte de Gris conmueve a la artista.
Fechas: 17 de octubre de 2012 - 25 de febrero de 2013
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3
Organización: Museo Reina Sofía y la Fundación Botín
Comisariado: María José Salazar

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Jiří Kovanda. Dos anillos dorados

Jiří Kovanda (Praga, República Checa, 1953) es un artista autodidacta que inició su carrera a mediados de los años setenta y cuya obra puede encuadrase, aún con matices, dentro del arte conceptual y del accionismo con vocación de apertura hacia la esfera pública. A través de una serie de acciones mínimas, a menudo casi imperceptibles, y de composiciones constructivas, collages e instalaciones realizadas con una gran economía de medios y de naturaleza deliberadamente precaria y efímera, Kovanda analiza la dificultad de establecer vínculos (físicos y afectivos) con el otro en el espacio urbano contemporáneo y trata de propiciar una reflexión crítica en torno a la relación entre lo público y lo privado, lo íntimo y lo social, lo visible y lo invisible, lo valioso y lo funcional. La radicalidad discursiva y la potencialidad visual del trabajo de este artista derivan, en gran medida, de su sencillez, de su retórica despojada y austera que huye tanto de la espectacularización como de la instrumentalización pedagógica, logrando generar una comunicación directa, aunque siempre sutil, con el espectador.
Su instalación Dos anillos dorados ha sido concebida de forma expresa para el espacio en el que se presenta: el Palacio de Cristal del Parque del Retiro de Madrid, un edificio vinculado al pasado colonial español en el que a través de la interacción de dos materiales muy diferentes, hierro y cristal, se consigue una monumentalización de lo invisible. Los anillos de oro que dan nombre a la instalación se encuentran en dos lugares distintos del Palacio, y aparecen sostenidos y enmarcados por una cuerda y un manto de hierba seca, dos objetos cotidianos muy habituales en las propuestas del arte povera que experimentan así un proceso de recontextualización por el que adquieren una visibilidad de la que normalmente carecen.
A partir de la relación que los anillos mantienen con el espacio arquitectónico en el que se insertan (un espacio amplio y transparente que acrecienta su fragilidad) y con los materiales humildes con los que interactúan, Jiří Kovanda propone una reflexión poética en torno a cuestiones como la precariedad existencial, el sentimiento de pérdida, la tendencia a la entropía o la noción de impureza. Y al mismo tiempo muestra que el valor otorgado a los objetos tiene siempre un carácter convencional y perecedero, pues cualquier sistema de tasación, por sólido y resistente que parezca, está sujeto a fluctuaciones y derivaciones que son imprevisibles.
Fechas: 30 octubre 2012 – 24 febrero de 2013
Lugar: Palacio de Cristal, Parque del Retiro

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Heimo Zobernig en el Palacio de Velázquez, Parque del Retiro de Madrid

Heimo Zobernig (Mauthen, Austria, 1958) aborda con aspecto crítico diversos medios como la pintura, la escultura, el vídeo, la instalación, la intervención arquitectónica y la performance. En sus obras cuestiona el relato del arte en medios como la arquitectura, el diseño y el teatro al remover posiciones ideológicas subyacentes, reinterpretándolas con una característica economía de medios, materiales y metodologías.
Para este artista la reflexión sobre el propio modelo expositivo y su contexto adquieren un interés central en sus creaciones. Con motivo de esta retrospectiva a él dedicada en el Palacio de Velázquez el propio espacio expositivo adquiere relevancia como instalación contendor; Zobernig subvierte la función habitual de la obra de arte al descabalgarla de su aura, anulando el boato que rodea una exposición, y la distancia entre obra y público.
Así, los propios mecanismos expositivos toman el lugar de las obras y el espacio pasa a ser parte esencial de la muestra. El palacio se convierte en un lugar diáfano, quedando solamente algunos tabiques removibles procedentes de la exposición temporal anterior que suscitan un antagonismo entre permanencia-obsolescencia. Zobernig, mediante su alineación, convierte estos muros en obras escultóricas, al tiempo que denuncia su temporalidad. La estructura del palacio se viste con telones, configurando una escenografía grandilocuente e íntima en la que se exponen algunas de sus esculturas de menor formato.
La puesta en escena del arte constituye una reflexión patente en la obra del artista: telones, pantallas en blanco y elementos arquitectónicos como paredes temporales y suelos enmoquetados semejan una obra de arte minimalista que a la vez desempeña su función como soporte de otras obras. Se evidencia la escenificación del arte como motor del mismo. El público debería participar cuestionando su propio ser, además de como simple espectador, como vínculo entre objeto y discurso, de tal modo que se dé de en el espectador un fenómeno de apropiación y reflexión sobre la creación de significado dentro y fuera de las artes. Finalmente el espectador, así enfrentado a estas cuestiones sobre los métodos y formas de representación y exposición, deviene protagonista plural del proceso de resignificación del arte.


Fechas: 9 noviembre de 2012 - 15 abril de 2013
Lugar: Palacio de Velázquez, Parque del Retiro
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y Kunsthaus Graz
Comisariado: Jürgen Bock

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